El 24 de septiembre de 1969, Deep Purple se
presentó en el Royal Albert Hall de Londres para tocar el Concerto for Group and Orchestra, acompañados por la Royal Philharmonic
Orchestra. La obra había sido compuesta por el tecladista Jon Lord, con letras de
Ian Gillan. A diferencia de otros casos, como por ejemplo el concierto de
Metallica S&M o la presentación de Roger Waters de The Wall en Berlin, en
este caso se trataba de música compuesta específicamente para ser tocada con una
orquesta sinfónica y no, como en los otros casos, música ya grabada adaptada
para orquesta.
Esta no era la primera composición de Lord con
estas características, ya en el tercer disco de la banda, llamado Deep Purple
(el que tiene una sección de El Jardín de las Delicias de Hieronimus Bosch en
la tapa), el tema April incluye un intermedio orquestal, también compuesto por
Lord, de más de 4 minutos de duración.
El Concerto está presentado como un
enfrentamiento, una batalla, entre la orquesta sinfónica y la banda de rock, en
la que cada uno trata de prevalecer sobre el otro, coincidiendo ambos en algunos
fragmentos. Consta de tres movimientos, el Moderato Allegro, el Andante y el Vivace
– Presto. La orquesta fue conducida por Malcolm Arnold y la banda estaba
integrada por Jon Lord en teclados, Richie Blackmore en guitarra, Ian Gillan en
voz, Roger Glover en bajo y Ian Paice en batería.
El 25 de agosto de 1970 presentaron el
concierto por segunda vez en el Hollywood Bowl de Los Angeles acompañados por Los
Angeles Philarmonic Orchestra conducida por Lawrence Foster. Después de este
concierto Lord perdió la partitura por lo que no pudieron tocarla más por
muchos años.
En 1990 el músico holandés Marco de Goeij, al enterarse
de que la partitura original se había perdido, volvió a escribirla a partir de
la grabación del concierto de 1969, algo muy difícil de hacer. En una
oportunidad en que Deep Purple tocó en Holanda, de Goeij se acercó a Lord y le
entrego la nueva partitura. El 25 y 26 de septiembre de ese año, treinta
después del concierto original, Deep Purple volvió a presentarlo en el Royal
Albert Hall. Hicieron una gira mundial, con la misma formación excepto Steve
Morse en lugar de Richie Blackmore en guitarra. La gira consistía en un espectáculo
del que el Concerto era solo una parte, e incluía otros músicos, entre ellos
Ronnie James Dio y la banda de Steve Morse.
El 1 y 2 de septiembre de 2000 tocaron en el
Luna Park de Buenos Aires junto con la Orquesta Sinfónica de Buenos Aires. Yo
fui uno de esos días y fue una experiencia maravillosa. Lo único no tan
brillante de ese concierto era la gente que silbaba durante las partes
orquestales. Y bueno, evidentemente la visión revolucionaria de Jon Lord no es
para todos los seguidores del rock.
Después del lanzamiento de Monty Python and the
Holy Grail (Los Caballeros de la Mesa Cuadrada) en 1975, los Monty Python
comenzaron a buscar temas para su próxima película. Una de las ideas que surgió
fue la de hacer una película sobre Jesucristo, pero llegaron a la conclusión de
que este no es un personaje con el que se pueda hacer mucho humor (una idea que
habían trabajado es la de Jesús crucificado y se le rompe la cruz, entonces muy
enojado les explica a los carpinteros cómo tienen que hacerlo bien). Decidieron
entonces hacer una historia de la época, pero no directamente de Jesús. El resultado
fue Life of Brian (La Vida de Brian).
Este film, considerado por muchos la mejor
comedia de la historia, fue sin duda la mejor de las cuatro películas de los
Monty Python. Criticada, censurada y perseguida por mucho tiempo, logró superar
todo eso para convertirse en un hito del cine de humor. En Inglaterra no pudo
ser exhibida en todas las ciudades y en muchos países como Irlanda, Argentina y
Chile fue prohibida o censurada. En Noruega fue prohibida y los cines en Suecia,
haciendo gala de un humor digno de los Monty, ponían carteles que decían: “una
película tan divertida que en Noruega está prohibida”.
Unos pocos días antes del comienzo de filmación,
la productora original, EMI Films, se retiró temiendo las reacciones negativas
hacia el film. Los Monty tuvieron que salir a conseguir financiación y esta llegó
de un lugar inesperado. El ex-Beatle George
Harrison era muy amigo y admirador del grupo y se ofreció a conseguir el
dinero. Empeñó su casa y oficina y con lo recaudado, 6 millones de Libras
Esterlinas, creó la productora HandMade Films y la producción pudo
avanzar.
La película es brillante en todo sentido, en algunas partes, como la
escena en que llevan a Brian ante un Poncio Pilatos con problemas para hablar, hilarante.
Al filmar esa escena no les dijeron a los actores lo que iba a suceder para que
sus reacciones fueran totalmente auténticas.
La escena final, admirada y criticada por partes iguales, es para mí, y
no dudo en declararlo, el mejor final que yo haya visto. Los dejo con esa
despedida.
A principios de los años 30, J. R. R, Tolkien
era profesor de Anglo-Sajón en la Universidad de Oxford. Un día, corrigiendo exámenes,
tuvo una inspiración y en el dorso de una de las hojas que corregía escribió: In a hole in the ground there lived a Hobbit,
“en un agujero en el suelo vivía un Hobbit”. En ese momento no tenía ninguna
idea de qué era un Hobbit o por qué vivía en un agujero. Guardó el papel para
investigarlo más adelante.
A partir de esa frase escribió una historia que
le leía a sus hijos por las noches. Para fines de 1932 había completado un
manuscrito que envió a algunos amigos y conocidos, entre ellos C. S. Lewis, creador
de las Crónicas de Narnia, y a una de sus alumnas, Elaine Griffiths. En 1936
una amiga de Griffiths, Susan Dagnall, la visitó en Oxford. Dagnall trabajaba
en la editorial George Allen & Unwin y Griffiths le habló, y le prestó, el
libro de Tolkien. Muy bien impresionada por la historia Dagnall se la llevó a
Stanely Unwin, uno de los directores de la editorial, quien a su vez se la dio a
leer a su hijo de 10 años, Rayner. A este le encantó la historia por lo que
Unwin decidió publicarla.
El Hobbit se publicó el 21 de septiembre de
1937 y tuvo un éxito enorme dentro del Reino Unido y posteriormente en todo el
mundo. Dado el éxito del libro, y la popularidad de los hobbits, un años después
Unwin le pidió a Tolkien que escribiera una secuela. El intento de Tolkien de
escribir una continuación de una novela cuyo protagonista vivió feliz el resto de su vida, y que esta fue muy larga, llevó a El Señor de
los Anillos, pero esa es otra historia.
La primera edición oficial de El Hobbit en español,
traducida por Manuel Figueroa, fue una edición de la Editorial Minotauro en España,
publicada en 1982, cinco años después de la publicación del primer volumen de
El Señor de los Anillos. Pero esta no fue la primera publicación del libro
en español. En 1964 la editorial argentina Fabril Editora, dentro de su serie Los
Libros del Mirasol, publicó una traducción de Teresa Sanchez Cuevas bajo el
nombre de El Hobito. La editorial había adquirido también los derechos para
publicar El Señor de los Anillos y en algunas de las ediciones de Los Libros
del Mirasol, se puede ver ESDLA dentro de la lista de futuras publicaciones. Pero
por un tema de costos nunca llegaron a esta edición, cediendo los derechos a
Minotauro.
La traducción de Sanchez Cuevas ha sido muy criticada, no solo por el título, sino por la adaptación de los
nombres de algunas razas, por ejemplo, los trolls son “enanos”, los trasgos son
“duendes” y los enanos son “gnomos”. Una de las cosas que a mi personalmente más
me gustaron de esta traducción es que no tradujeron los nombres, Bilbo sigue
siendo Bilbo Baggins.
La única vez que tuve un tomo de esa edición en
mis manos fue en la Biblioteca Nacional Argentina, hace tanto tiempo que
todavía estaba en la calle México. El Hobito, hoy en día prácticamente imposible
de encontrar, es una búsqueda de coleccionistas. Cada vez que voy a Tristán
Narvaja miro bien por el milagro de que alguna vieja copia se encuentre por ahí.
Conozco una persona en Argentina que consiguió una en un puesto de libros
usados en el Parque Rivadavia.
Seguiré con mi búsqueda y si se enteran de algo
avísenme.
En 1967 Walter Shenson, productor de las
películas A Hard Day´s Night y Help! de The Beatles, le pidió al dramaturgo Joe
Orton que escribiera el guion para lo que sería el tercer film
de la banda. Brian Epstein pensaba que Orton era el escritor perfecto para lo
que buscaban y Paul había ya invertido en una de las obras de teatro de Orton.
Según el acuerdo al que llegaron Orton escribió
un guion, llamado Up Against It, que él estaba seguro sería rechazado ya que los
cuatro personajes centrales participaban de dudosas actividades políticas, se
vestían de mujer, cometían asesinatos, iban a la cárcel, cometían adulterio y
finalmente se casaban los cuatro con la misma mujer. Los Beatles y Epstein,
como era de esperar, lo rechazaron considerándolo no apto para la imagen de Paul,
George, John y Ringo y el proyecto fue abandonado.
Con los Beatles fuera del camino, Orton siguió
trabajando en el proyecto y se elaboró la posibilidad de hacer un film dirigido
por Richard Lester, director de ambas películas de los Beatles, con Ian McKellen
y Mick Jagger en los roles principales, ya reducidos a dos. Organizaron
una reunión para el 9 de agosto de 1967, para desarrollar el proyecto. La mañana
de ese día, Orton fue asesinado a martillazos en la cabeza por su compañero y
amante Kenneth Halliwell, el que después se suicidó. El proyecto Up Against It fue definivamente abandonado.
En 1986, el productor teatral Joseph Papp productor
de The Public Theater de Nueva York. Grupo que presentara espectáculos como
Hair en 1967 y A Chorus Line en 1975, buscando un nuevo espectáculo para
presentar descubrieron el guión abandonado de Orton. Compraron los derechos y
buscaron un músico para componer la música. Con The Beatles en la cabeza, se
pusieron en contacto con Todd Rundgren, quien ya había grabado discos con
música tipo falso-Beatles (Deface The Music con Utopia) y había sido asesor musical
para el musical Beatlemania. Rundgren siempre había querido componer un
musical, pero su inspiración eran los compositores clásicos como Gilbert and Sullivan,
Bertolt Brecht y Kurt Weil y Stephen Sondheim. Propuso que él participaría del
proyecto, pero descartando toda relación musical con The Beatles. Llegaron a un
acuerdo y Rundgren compuso la música y adaptó la historia, para un musical que
sería presentado en 1986.
El espectáculo resultó un fracaso absoluto y se canceló
después de 16 presentaciones. Ninguna de las presentaciones fue grabada y nunca
se hizo una grabación en estudio. Por lo tanto, el Up Against it de Todd Rundgren
quedó en la historia. Tres de los temas fueron grabados para dos discos de
Todd, Parallel Lines en el disco Nearly Human y The Smell of Money y If I Have
to be Alone en 2nd Wind.
Un sello japonés publicó en CD una grabación de la obra completa en la que
Rundgren interpreta todas las voces e instrumentos. Esta es una grabación personal e informal de Rundgren que nos dejó la posibilidad de conocer la obra.
Todd Rundgren es un músico norteamericano
que comenzó su carrera a los 18 años, en 1967, con la banda Nazz. Rundgren podría ser considerado
el más famoso de los músicos poco conocidos, admirado por otros músicos (Charly
García entre ellos), compositor, multi-instrumentista, productor, arreglador, ingeniero
de sonido, director de videos y creador de distintas formas de multimedia. Una
de las principales características de la carrera musical de Rundgren, también
una de las razones por las que nunca llegó a una fama masiva, es su búsqueda
constante de crear algo nuevo y distinto, sin importarle la fama o la fortuna.
Con Nazz grabó tres discos, Nazz, Nazz Nazz y
Nazz III. Antes de que saliera este último sintió que esta banda lo limitaba y
comenzó a grabar como solista. Entre 1970 y 2017 grabó 35 discos de
estudio, 25 bajo su nombre y 10 con la banda Utopia.
Hasta 1974 Rundgren había grabado 5 discos como
solista y se había convertido en un músico de culto. Ese año decidió
experimentar algo distinto y junto con Kevin “Moogy” Klingman y Ralph Shucket
en teclados, M Frog Labat en sintetizadores, John Siegler en bajo, Kevin Ellman
en batería y él en guitarra, grabaron un disco que se llamó Todd Rundgren´s Utopia. Este es un disco de rock sinfónico con tres
tecladistas y arreglos muy elaborados, grabado parte en estudio y parte en vivo.
El segundo lado del LP contenía un solo tema, The Ikon, de 30 minutos y 22
segundos, algo casi impensable en el formato limitado de los discos de
vinilo.
Gran admirador de The Beatles desde su juventud,
Rundgren tenía la ambición de formar una banda en la que todos los integrantes
compusieran, tocaran y cantaran. En 1976 se juntó con otros tres músicos, Roger Powell en teclados, Kasim Sulton en bajo y John “Willie” Wilcox en batería, y rebautizó
a la banda, con la que tocaría durante casi 10 años en una carrera paralela a
la de solista, simplemente como Utopia.
Los estilos musicales, tanto de Rundgren como solista
como con la banda Utopia, han ido cambiando constantemente. Pop, rock, rock sinfónico,
blues, pop estilo Beatles, música disco, música electrónica, un disco grabado únicamente
con voces y un musical de Broadway.
En paralelo a su carrera como músico, Rundgren
fue productor de discos de muchas bandas de primera línea. Entre sus
producciones encontramos Bat Out of Hell de Meatloaf, el quinto disco más
vendido de la historia, Stage Fright de The Band, “L” de Steve Hillage, Caus I
Sez So y New York Dolls de la banda del mismo nombre, Shining On de Grand Funk
Railroad, Skylarking de XTC, Straight Up de Badfinger, War Babies de Hall &
Oats, Wave de Patti Smith y The New America de Bad Religion.
Hablar en más detalle de todo esto sería
demasiado para una sola nota de este blog, por lo que voy a ir escribiendo
varias a través del tiempo, la siguiente mañana.
Una recomendación a los que no conozcan a Todd,
escúchenlo.
Tom Bombadil es uno de los más fascinantes, y el
más misterioso, personaje de la novela El Señor de los Anillos de J.
R. R. Tolkien. Alguien que solo haya visto las películas preguntara, ¿en
cuál de las tres aparece? La respuesta es, en ninguna. Perderse a Tom Bombadil
es una de las más grandes contras de no leer los libros de El Señor de los
Anillos.
Old Tom Bombadil was a merry fellow Bright blue his jacket was And his boots were yellow El viejo Tom Bombadil era un tipo alegre,
Reluciente azul era su chaqueta
Y sus botas amarillas
Si
bien el personaje de Tom Bombadil había sido creado por Tolkien mucho antes de
escribir ESDLA, su primera aparición es en el libro Las Aventuras de Tom Bombadil
publicado 20 años antes, Tolkien consideró que era importante, o por lo menos
interesante, que fuera uno de los personajes en la historia de los Anillos. Las Aventuras
de Tom Bombadil es un libro de canciones y poesías, que giran alrededor de este
personaje, en una Tierra Media mucho más inocente.
Les
cuento la historia a los que no lo saben: cuando los hobbits, Frodo, Sam, Merry y Pippin, salen de la Comarca y se internan en el Bosque Viejo con la
intención de llegar al camino de Este a Oeste, y de allí a Bree, sin que los vean los Jinetes
Negros. Pero encuentrán que el pasaje es mucho más difícil de lo que habían pensado y los
mismos árboles parecen llevarlos hacia el Este, dirección que saben tienen que
evitar. Totalmente perdidos llegan a un arroyo sobre el que se encuentra el
Viejo Hombre-Sauce. Todos caen en un sopor y Merry y Pippin se duermen con sus
espaldas contra el árbol y este los atrapa entre las grietas de su tronco. Con una
de sus raíces hunde a Frodo en el agua del arroyo. El único que, con dificultad, se mantiene
despierto es Sam quien consigue rescatar a Frodo. Ambos intentan, inútilmente, liberar a los dos hobbits atrapados por el árbol. De pronto escuchan alguien que se acerca por el
camino cantando. Tom los ve y se acerca a ellos. Cuando le cuentan lo que sucedió ríe y dice, “¡Qué!
¿¡Nada más peligroso que el Viejo Hombre-Sauce!?” Tom le canta al árbol y este
escupe a Merry y Pippin. Tom los invita a su casa para que coman y descansen. Alrededor
de la comida le cuentan a Tom todas sus aventuras, le cuentan mucho más de lo
que hubieran querido, pero Tom no se sorprende con nada. En un momento Frodo,
para jugarle una broma, se pone el anillo. Los otros hobbits se sorprenden de
verlo desaparecer, pero Tom, mirándolo, le dice que se saque el anillo que con él
puesto se ve mucho más feo. Le pide a Frodo que le de el anillo y este, a pesar
de su propia resistencia, se lo entrega. Tom ríe y juega con él, sin tomárselo en serio, y termina poniéndoselo. Todos se sorprenden porque no desaoarece. Se dan cuenta de que Tom es más poderoso que el anillo. Para mantenerlos alejados
de más problemas, tienen una aventura más de la que él los rescata, con los espectros de los túmulos, Tom los
acompaña hasta la ruta dejándolos a poca distancia de Bree.
Bombadil no vuelve a aparecer en toda la historia, pero es mencionado en dos oportunidades:
● Durante el Concilio de Elrond, cuando buscan distintas alternativas sobre qué
hacer con el anillo, alguien sugiere dárselo a Tom ya que el
anillo parece no tener poder sobre él. Gandalf
dice que no sería buena idea porque el anillo no es
algo importante para Tom y por lo tanto este terminaría olvidándose de él perdiéndolo en algún lugar.
● Hacia el final del
libro, cuando los hobbits regresan a la comarca acompañados por Gandalf, cuando llegan al lugar en el camino donde Tom había
dejado a los hobbits cerca de Bree, Gandalf
dice que ya no los va a acompañar, ya no lo necesitan,
y que va a ir a visitarlo a Tom con quien tiene pendiente una larga charla desde mucho tiempo antes.
¿Quién es Tom?
Ese es el gran misterio
y ni siquiera Tolkien ha podido dar una respuesta concreta. Elrond lo recuerda
como uno de los seres más antiguos en la Tierra Media y lo llama Iarwain Ben-adar,
el más antiguo y sin padre. Cuando alguien sugiere que Bombadil es más poderoso
que el anillo, Gandalf lo corrige explicando que no es que Bombadil tenga poder
sobre el anillo sino más bien que el anillo no tiene poder sobre él. Sería largo
y aburrido en este contexto, entrar en una discusión sobre su arribo a la
Tierra Media en su origen, y cuál de los Ainur, seres sagrados que participaron
de la creación, sería. Tolkien lo explicó como un ser poderoso que en un
momento decide renunciar a tener control sobre las cosas para comenzar a disfrutarlas
por sí mismas. En este contexto, el significado del
bien y el mal como consecuencia del poder y del control, pierden todo sentido y
valor. Digamos que Tom Bombadil es un ser de la naturaleza que ama a la
naturaleza en si misma. Una victoria de Sauron no lo afectaría a Bombadil
directamente, pero si en cuanto a la destrucción de la naturaleza que es su ámbito
de realidad y vida.
En las dos películas
realizadas de El Señor de los Anillos, la de Ralph Bakshi y las de Peter Jackson,
Tom Bombadil ha sido descartado, en ambos casos por considerarlo un personaje
que no le agrega nada a la historia y la hace más lenta y larga. No estoy para
nada de acuerdo con este criterio, creo que Tom Bombadil es uno de los más
interesantes personajes de las historias y el encuentro de los hobbits con él les enseña y prepara para lo que vendría después.
Le aconsejo a aquellos a los que les haya
gustado la historia contada en el cine, que vayan a los libros. Hay dos
episodios muy interesantes e importantes para la historia, ausentes en las películas: el encuentro entre los hobbits y Tom Bombadil y El Saneamiento de
la Comarca, ante-último capítulo del libro, que muestra un final de la historia,
y de Saruman, bastante distinto al de las películas.
La música de Dream Theater, banda que comenzó
su historia en 1985, es una combinación de rock progresivo y heavy metal, en
los últimos años inclinándose más hacia este género.
La banda se caracterizó por sus conciertos
espectaculares y la cantidad de CD editados, oficiales y piratas, de muchos de
estos conciertos. De los oficiales, quizás el más completo sea Live Scenes From New York, grabado el 30 de agosto de 2000 en el
Roseland Ballroom de esa ciudad. La edición contiene tres CD con más de 3 horas
de música.
La distribución del disco comenzó el 11 de septiembre de 2001, pero inmediatamente
pidieron la devolución de todos los lotes de discos debido a un problema, más
diríamos una casualidad, con el arte de la tapa de la edición original. Esta mostraba, sobre un
fondo de fotografías en blanco y negro de la banda tocando, lo que
parece ser una manzana rodeada de fuego, recordemos que a Nueva York la llaman
la Gran Manzana, y en la parte superior la Estatua de la Libertad y la imagen
de las Torres Gemelas, envueltas en llamas. O sea que la tapa que se distribuyó
el 11 de septiembre de 2001 incluía la imagen de las Torres Gemelas en llamas.
El CD fue reeditado, con una nueva tapa, un tiempo después, pero copias
de la original no fueron devueltas y yo compré una edición con esa tapa en
Buenos Aires poco tiempo después.
La banda cuyas canciones han sido más veces interpretada
por otros músicos, como era de esperar, es The Beatles. La canción que más
veces ha sido elegida es Yesterday y en la lista de las 10 canciones más veces
interpretadas por otros músicos, 4 son de ellos.
Una de mis canciones preferidas de The Beatles
es la de George Harrison While My Guitar Gently Weeps. Entre las bandas y músicos
que han grabado versiones están Eric Clapton, quien interpreta el solo de
guitarra en la versión original del disco blanco, Peter Frampton, Pedro Aznar, Carlos Santana, Jeff Healey, Todd
Rundgren y Yellow Matter Custard con un solo de guitarra maravilloso de Paul Gilbert.
Pero la versión más original que yo haya
escuchado es la interpretada por la banda Tangoloco, también conocido como
Daniel García Quinteto. Este quinteto tanguero, se caracteriza por mezclar con
mucha habilidad el tango con el rock y el pop. Su segundo disco se llama Tangos
de Liverpool e interpretan temas de los Beatles con instrumentación de tango. En
el segundo disco interpretan versiones de clásicos del rock argentino como Muchacha
Ojos de Papel y Jugo de Tomate Frío. En su último disco, Tango Negro, en algunos
temas combinan un tango con otra canción, por ejemplo, Billie Jean de Michael
Jackson con El Choclo, o Candombe para Gardel de Rada con la milonga La
Puñalada, cantadas por Rada y Raúl Lavié.
Les dejo la versión de Tangoloco de While My Guitar
Gently Weeps.
Presentación de la película La Guía del Viajero Intergaláctico, basada en los libros de Douglas. Adams. Una excelente presentación, y canción, que nos deja dos grandes intriga como para que veamos lo que viene después.
(Si no ven la traducción hagan clic en "Subtítulos")
En 1982 Seru Giran se despidió con dos
conciertos en el Estadio de Obras Sanitarias. Pedro Aznar dejaba la banda para
ir a estudiar a la escuela de música Berklee en Boston y tocar en la banda de
Pat Metheny.
Charly García aprovechó para lanzar su carrera
solista después de haber formado parte de Sui Generis, PorSuiGieco, La Máquina
de Hacer Pájaros y Serú Girán. Entre 1982 y 1984 graba tres discos considerados
su consagración como músico y solista. El doble Pubis Angelical (banda de
sonido de la película de Raúl de la Torre)/Yendo de la Cama al Living, Clics
Modernos y Piano Bar. Si bien son tres discos maravillosos que mostraban la
calidad a la que podía llegar Charly, mi preferido es Clics Modernos, disco que
yo considero perfecto en el sentido de que todos los temas son excelentes.
Al terminar de grabar Yendo de la Cama al
Living, Charly decide partir hacia Nueva York para cambiar de aires. La idea era
estar poco tiempo, pero se sintió bien allí y decidió quedarse. Alquiló
un departamento y compró equipos modernos, entre ellos una caja de ritmos
Roland, con la idea de componer ahí. A través de Pedro Aznar conoce al
productor Joe Blaney y deciden grabar un disco con bajo presupuesto. Reflejando
sus nuevos enfoques y los cambios en Argentina llegada la democracia, quiso
llamar al disco Trapos Nuevos.
Para seguir necesitaba conseguir músicos. Ya lo
tenía a Pedro en el bajo. Contactaron al baterista Tony Smith, quien tocara con
Jan Hammer, pero Smith no se sintió cómodo con el proyecto de Charly y hubo que conseguir
otro baterista. Ante esta realidad Charly decidió cambiar sus planes y utilizar
la batería electrónica todo lo que fuera posible. Para los temas que necesitaban
una batería convencional contrataron a Casey Schverrell quien siguió al pie de
la letra lo requerido por Charly. Para la guitarra Blaney contactó a Larry
Carlton, uno de los más importantes guitarristas de jazz norteamericanos. El particular
estilo de Carlton puede escucharse, por ejemplo, en Los Dinosaurios. El otro
músico invitado fue el saxofonista Doug Norwine quien toca un solo en Nuevos
Trapos. El disco fue grabado en los Electric Lady
Studios, estudio de grabación creado por Jimmy Hendrix y en el que grabaran, entre
otros, David Bowie, Led Zeppelin, Santana y The Rolling Stones.
En un momento decidió cambiarle el nombre al
disco, de Trapos Nuevos a Clics Modernos. Caminando por una calle de Nueva York
vio una pared con la imagen de un ser negro, lo que le hizo pensar en los
desaparecidos, y un graffiti que decía “Modern Clix”, el nombre de una banda
underground. En ese momento decidió en nombre definitivo y también la tapa, que
es una foto de esa pared con Charly sentado a sus pies fumando un cigarrillo.
La edición argentina de la revista Rolling
Stone lo votó como el segundo mejor disco del rock argentino después de Artaud
de Pescado Rabioso.
Las nueve canciones incluidas en el disco son:
● Nos siguen pegando abajo (pecado mortal): un Charly mucho más cerca del pop/New Wave. Probablemente
el primer tema del rock argentino cuya batería salía de una máquina. La
combinación de la batería programada y el bajo de Pedro Aznar crean un ritmo hipnótico. La letra es una clara alusión a la falta de seguridad y libertad durante la dictadura militar.
● No soy un extraño: Charly canta sobre los cambios por los que está
pasando, viviendo en una ciudad como Nueva York en la que, al contrario de lo
que pasaría en Buenos Aires, puede ver a dos hombres tomados de la mano. Le
canta también al cambio en su música sin importarle lo que sus seguidores digan
(…desprejuiciados son los que vendrán…). La guitarra de Carlton suena muy en el
estilo de Steely Dan, una de las bandas preferidas de Charly.
● Dos Cero Uno (Transas): Nos sorprende de entrada la perfecta
combinación entre la batería electrónica, el piano de Charly y el bajo de Pedro.
Para mí uno de los tres temas sobresalientes de este disco (después veremos cuáles
son los otros). Habla de alguien que transó, se vendió a Fiorucci, pero que “no
le va mal”. Ese “alguien” es él mismo. En Diciembre de 1982 Charly dio un
concierto en el estadio de Ferro al que asistieron 25.000 personas. Al final
del concierto, mientras cantaba No Bombardeen Buenos Aires, canción en la que
hacía referencia a la guerra de Malvinas, misiles destruían una ciudad de cartón construida sobre el escenario, lo que fue un shock para los espectadores. Para lograr
financiar esto consiguió el auspicio de Fiorucci. Eso, y el hecho de que se había cortado el pelo, fue mal recibido por muchos de sus seguidores.
● Nuevos Trapos: El saxo de Norwine le da un toque distinto. Pide queasumamos cada uno la parte que nos toca sin
echar culpas. Aunque el título podría referirnos a los cambios que estaban
sucediendo tanto en Argentina como a su propia carrera, la letra parece
hacer referencia a que cada uno tiene que hacerse responsable de la parte que le toca
en la historia: “Pero a la vez quiero decirte que, te encargues de tu vida
porque yo no soy mejor que vos, vos no sos mejor que yo” y cómo las guerras,
Argentina salía de las Malvinas, no solucionan nada “Y aunque cambiemos de
color las trincheras, y aunque cambiemos de lugar las banderas, siempre es como
la primera vez.”
● Bancate ese defecto: El segundo de los tres grandes temas de este
disco. Mezcla de batería eléctrica con convencional, uso de sintetizadores y
una espectacular línea de bajo de Pedro. La letra habla de aceptarnos como
somos, ironizando sobre la obsesión de muchos argentinos por el aspecto externo y la cirugía estética. La vida es cambio y tenemos que hacer lo mejor que podemos con lo que
tenemos. Asume tanto su bigote de dos colores como su decisión de cambiar su estilo
musical.
● No me dejan salir: También conocida como “Estoy verde” es una de
las canciones más originales de Charly por su estructura. Casi un tema pop sobre
un riff y ritmos repetitivos. Todo el tema es llevado por el bajo de Pedro como
guía central. Un canto a la falta de libertad vivida durante la dictadura y un
deseo de que se concreten los cambios que se venían en Argentina, “no puedo
calmar, no puedo parir, no puedo esperar mil años que cambie el viento, tengo
que volverte a ver.”
● Los Dinosaurios: Quizás la canción más conocida de Charly. A pesar
de que hay una opinión generalizada de que esta canción se refiere a la dictadura,
Charly juró que nunca pensó en eso al escribirla. Dijo que hablaba de los
sentimientos de ausencia cuando uno pierde algo, “desde un amigo hasta el
cepillo de dientes” y como no hay que atarse a las cosas, un mensaje mucho más universal.
No obstante, esta canción quedó como un himno sobre el drama de la dictadura,
sobre todo por la estrofa “Los amigos del barrio pueden desaparecer, los
cantores de radio pueden desaparecer, los que están en los diarios pueden
desaparecer la persona que amas puede desaparecer. Los que están en el aire pueden
desaparecer en el aire, los que están en la calle pueden desaparecer en la
calle.” En lo musical están solo el piano
y sintetizador de Charly y la guitarra de Carlton.
● Plateado sobre plateado (huellas en el mar): La canción más “estándar”
de este disco poco “estándar”. Casi una canción melódica. Cuando le preguntaron
a Charly sobre el significado él dijo: “¿Alguna vez viste huellas en el mar?” Las
huellas en el mar duran pocos minutos y desaparecen. Vivamos a pleno el momento
presente, que es lo que él estaba haciendo sin preocuparse por lo que diría la
gente sobre sus cambios personales y musicales.
● Ojos de videotape: la tercera de las grandes canciones de este
disco, quizás LA mejor. La única canción lenta, melancólica y de una
belleza arrasadora. Es la despedida de Charly del disco, y de nosotros. “No
tengo agua caliente en el calefón, no tengo que escribir canciones de amor.” Se
va mientras nosotros lo miramos desde otro lado: “Te vas, el mundo gira al revés,
mientras miras esos ojos de videotape.” Un piano dulce acompañado de algo de
percusión y guitarra, aquí tocada por el mismo Charly. Sin duda, siempre vamos
a extrañar a este Charly y la película que nos mostró.
Les
dejo acá abajo un video del tema Bancate ese Defecto grabado en el Luna Park en
1983 en la gira de presentación del disco, acompañado por Pablo Guyot en guitarra,
Alfredo Toth en bajo, Willy Iturri en batería (GIT), Gonzalo Palacios y Daniel Melingo
en saxos, Fabiana Cantilo en coros y Fito Paez en teclados.
Ralph Bakshi fue desde sus principios un revolucionario del cine de animación. Su primera película, Fritz the Cat (1972), fue el primer largometraje de animación exclusivamente para adultos y a pesar de los temores de la distribuidora, se convirtió en el film de animación independiente más exitoso de la historia, con ganancias de más de 100 millones de dólares.
Bakshi había leído El Señor de los Anillos a mediados de los años 50, cuando trabajaba como animador para Terrytoons (creadores entre otros del Super Ratón y las Urracas Parlanchinas) y desde entonces intentó convencer a los productores que esa obra debía ser llevada al cine como animación. En 1969, los derechos de filmación de El Señor de los Anillos habían pasado a United Artists y directores como Stanley Kubrick y John Boorman habían mostrado interés en adaptar la historia al cine.
A fines de 1976 Bakshi se enteró que el director John Boorman (Excalibur) había sido contratado para filmar una adaptación, pero resumiendo los tres libros en un solo film. Bakshi consideró que esto era una falta de respeto a la obra de Tolkien y consiguió una entrevista con los directivos de la productora quienes acordaron darle la dirección del film si él se encargaba de cubrir los 3 millones de dólares que se había invertido en el guión de Boorman. Bakshi consiguió que el productor Saul Zaenz cubriera ese costo y le otorgara un presupuesto de 8 millones más para realizar el primero de la serie de tres films que se planeaban. Antes de que la producción comenzara se llego a un acuerdo que se harían solo dos películas.
Era extremadamente importante para Bakshi ser lo más fiel posible al libro de Tolkien. Tuvo una reunión con Priscilla, la hija de Tolkien, para discutir cómo se haría la adaptación. En una entrevista en la que le preguntaron como seria la película dijo:
“Para mi no es importante la apariencia de un Hobbit. Cada uno tiene sus propias ideas del aspecto de los personajes. Lo importante para mi es mantener la energía de Tolkien. ¿A quien le importa el tamaño de la nariz de Gandalf?”
El guión que se escribió para el film sigue bastante de cerca el libro. El viaje de Frodo a Bree esta sintetizado y el personaje de Tom Bombadil se eliminó, según Bakshi porque le quitaba ritmo a la historia.
En el film Bakshi utiliza una técnica nueva llamada rotoscopiado en la cual se pinta sobre una película, cuadro por cuadro. Con este sistema se obtiene un efecto mucho más real. Esta técnica resulta particularmente eficaz en escenas con muchos personajes, por ejemplo, batallas. Lamentablemente, debido al escaso presupuesto el resultado no fue el deseado y este aspecto del film recibió numerosas criticas.
Tim Burton trabajo como pintor de celdas en la producción, antes de ir a trabajar para Disney.
Bakshi quería que el film se llamara “El Señor de los Anillos Primera Parte”, sin embargo, cuando terminó la filmación los productores dijeron que no querían presentarla como una parte, creyendo que la gente no pagaría una entrada para ver media película. Bakshi insistió en que si no se la presentaba así la gente saldría del cine confundida pensando que había visto una película completa. Este fue uno de los principales factores para el fracaso, relativo, del film.
Bakshi nunca quedo conforme con el resultado y expreso que el film le había “quitado mucho más de lo que le había dado”. La segunda parte nunca fue financiada y Bakshi dijo que nunca hubiera hecho el film de saber cómo se manejaría la producción.
El film fue considerado por la critica como una obra “inspirado pero defectuosa”. En general la recepción fue buena y, sorpresivamente, un éxito financiero. El presupuesto fue de 4 millones de dólares y las ganancias en taquilla de 30.5 millones.
Peter Jackson reconoció haber sido influenciado por el film de Bakshi. Hay una escena en la primera de las películas de Jackson, una toma en un ángulo bajo de un Hobbit en la fiesta de Bilbo, que el director reconoció como un homenaje a Bakshi.
Mucho se ha hablado sobre las diferencias entre las versiones cinematográficas de El Señor de los Anillos de Peter Jackson y la de Ralph Bakshi. He escuchado muchas críticas, en general negativas, a la película de Bakshi por parte de gente que la vio después de haber visto la versión de Jackson. Creo que la comparación no tiene sentido. Como admirador de la obra de Tolkien, siempre he alabado la película de Bakshi, al punto de decir que creo que es mucho más valida que la de Jackson. Más valida por lo que representa. Jackson contó con presupuestos monumentales para filmar una obra que resultara un éxito comercial, cosa que logró sin duda. Bakshi solo pudo cumplir con la mitad de su proyecto y nunca le dieron ni siquiera la financiación que le habían prometido. Creo que el resultado es maravilloso para los medios económicos limitados con que contó.
Si les gusta Tolkien y el cine hecho con amor y buenas intenciones, les recomiendo que vean este film, no porque lo considere una obra de arte, no lo es, sino porque sé que van a disfrutar de ver esta historia de una forma distinta.
El Mundo Disco de Terry Pratchett podría ser la forma más alta de
literatura en el planeta.
Brandon Sanderson
Me
avergüenza cuánto tiempo me tomó descubrir a Terry Pratchett. Lo evité durante
mi temprana carrera de lector. He leído trabajos de humoristas del fantástico
anteriormente y mientras que he disfrutado de la experiencia, no era algo que
yo buscara intencionalmente. No me daba cuenta que me estaba perdiendo de lo
que podría considerarse lo mejor de lo que los libros de fantasía tienen para
ofrecer.
Es difícil
describir a Pratchett a los que no lo han leído. La mayor parte de su trabajo
ocurre en un mundo de ficción en forma de disco y las historias tienden a ser
misterios de asesinatos o thrillers mezclados con una saludable dosis de sátira
sobre la condición humana. Como las mejores obras de fantasía, un viaje con sus
trolls, brujas o sus endurecidos guardias nocturnos, provocan una inspección de
nuestro propio mundo. Pero lo que otros autores hacen con alusiones livianas,
el Mundo Disco lo hace con una maza. Y con alusiones livianas también. Y
después te roba la billetera.
El Mundo
Disco es historia, humor y filosofía, todo en uno. En ningún otro lugar me he
reído tanto mientras me forzaban a pensar tanto, todo al mismo tiempo. Lo más
parecido a Pratchett que existe es Shakespeare. En serio.
Entonces,
este es el centro de mi argumento. Pratchett no es solo divertido, Pratchett es
trascendental. Existen muchos escritores graciosos. Algunos hilarantes. Algunos
logran hacerte pensar al mismo tiempo. Pero la mayoría de los humoristas,
siendo brillantes, tienen problemas con la historia. Si dejo el libro puedo
recordar la risa, pero no tengo urgencia de regresar. Sus narrativas no me
enganchan, no tienen ese arrastre, esa fuerza de gravedad, que una buena trama
construye. En definitiva, no me hacen pensar, ojeroso a las 3 de la mañana, que
necesito leer un capítulo más.
Pratchett,
al contrario, me hace perder el sueño en forma rutinaria. Sus mejores historias
(sugiero Cartas en el Asunto y La Verdad) poseen una excelente
urgencia narrativa, pero a eso le agregan un nivel de desenfrenado ingenio. Y
después, como si eso no fuese suficiente, te patean en la cabeza con momentos
estremecedores, inesperados, descarados y deliciosos.
Este debe
ser el nivel más alto de ficción. Logra todo lo que logra la gran literatura,
pero además nos hace reír.
Pratchett no
es de ninguna manera poco valorado. Sus ventas son sólidas, tiene montones de
fans y está también aquello que le sucedió de ser “declarado caballero”. Sin
embargo, no puedo evitar darme cuenta de una significativa falta de premios
importantes de literatura en sus bolsillos. Un premio British SF, un premio
Locus, pero ningún premio Hugo, Nebula o World Fantasy (muchas veces
considerados los tres premios más altos en Ciencia Ficción o Fantasía), mucho
menos alguno de los premios mayores. ¿Podría ser que estemos tan cómodos con
Pratchett que no le damos suficiente importancia?
Quizás sea
el humor. La antigua sabiduría de Hollywood dice que las comedias, sin importar
cuan brillantes sean, no se llevan los premios más altos. Si quieres vender
entradas has que la gente ría. Si quieres ganar premios hazlos llorar. Como
dijo una vez el poeta: “No puedo conseguir que me respeten”.
Pasé años en
un programa de literatura para graduados aprendiendo qué es lo que hace gran
literatura y la conclusión a la que llegamos es que el futuro de ese programa
de literatura está asegurado porque nunca nos vamos a poner de acuerdo sobre
qué es lo que hace gran literatura. Sin embargo, hay algunas cosas que los
auténticos grandes parecen compartir.
Una de ellas
es el uso consciente del lenguaje. Pratchett tiene eso, ¡y cómo lo tiene! Cada
una de las palabras es elegida con precisión, metiendo chistes como un niño
llenándose la boca de comida.
Otro es el
uso sutil de alusiones literarias. Nuevamente, Pratchett es un genio en esto,
aunque en lugar de aludir a épicos griegos (bueno, además de aludir a los
épicos griegos), las alusiones de Pratchett tienden a enfocarse en la cultura
pop y la historia.
Otra
característica de la gran literatura es grandes personajes. Mientras que sería
fácil descartar a Pratchett en esto por la cantidad de caricaturas unilaterales
que pueblan el Mundo Disco, esos en la mayoría de los casos no son el centro de
la historia. Los protagonistas centrales tienen un corazón real, emociones,
voluntad y crecimiento. Encuentro a Vimes, el humilde capitán de la guardia
nocturna de Pratchett, uno de los personajes más complejos y queribles en
ficción. (Ronda de Noche es el punto más alto de la línea narrativa de Vimes,
por si les interesa.)
Y son
graciosos. Real y verdaderamente graciosos. El maquillaje de payaso nos
distrae. Nos hace sonreír y distrae nuestra atención de la majestuosidad de los
rasgos. Yo afirmo que lo que Pratchett hace no es solo grande sino sin parangón.
Dentro de
quinientos años, no van a ser los laureados con el Nobel los que van a ser
estudiados. Va a ser este tipo.
Muchas
gracias Sir Terry.
(Brandon Sanders es uno de los más importantes, y más leídos, escritores de la literatura de Fantasía y Ciencia Ficción contemporánea. Con más de 20 novelas publicadas más una gran cantidad de novelas cortas y cuentos, Sanderson es uno de los más prolíficos escritores de este género literario. Ha sido nominado varias veces en importantes concursos literarios y ganó, entre otros, un Premio Hugo por mejor novela corta.)
Llegué a Uruguay, para quedarme, en Septiembre
de 2005. Una nueva vida por empezar. Poco tiempo después, gracias al querido
amigo Mario Villar, tuve la oportunidad de conocer a José Deqo Núñez, un prócer
de la radio en Uruguay, de quien en ese momento no sabía nada.
Un día Mario, quien trabajaba en el Sodre, me
invitó a conocerlo ya que sabía de mi amor por la música, particularmente el
rock. Un martes al mediodía me encontré con Mario en el edificio del Sodre en
Sarandí y Misiones. Bajando una escalera y recorriendo pasillos largos llegamos
al subsuelo donde se encuentran los estudios de transmisión y grabación. Mario me presentó a Deqo, persona a la que uno
no puede dejar de querer desde el momento en que lo conoce. De una simpatía desbordante,
divertido, con un chiste siempre a flor de labio y sin duda un gran conocedor
de la historia y los vericuetos del rock. El programa Meridiano Juvenil con, Deqo
como conductor, fue una apertura para los uruguayos hacia el rock nacional e
internacional. Muchos uruguayos descubrieron a través de este programa cosas
que era imposible escuchar en otros lados, particularmente en los años difíciles
de los 70/80. Muchas personas que conocí años después me contaron de su admiración
por Deqo y Meridiano Juvenil y cómo ese programa los había llevado por caminos nuevos en lo
musical.
En nuestra conversación de ese día le conté a
Deqo algo de mi historia personal, qué me había traído a vivir a Uruguay y algo
de mis experiencias y conocimientos de la música de los últimos treinta y
largos años. Le conté también que traía conmigo una colección de CD bastante amplia
y abarcativa de la música que ambos amamos. Le conté del regreso al rock sinfónico que había surgido en los años 90, un regreso renovado y muy creativo. Ante mi gran sorpresa y emoción Deqo me dijo si no quería hacer con
él, en Meridiano Juvenil, un ciclo de rock sinfónico. Por supuesto acepté, algo
nervioso ya que nunca había hecho radio.
Tuve la suerte y el honor de hacer ese ciclo
con Deqo durante un año, los jueves a las 13:00. El primer programa fue
el Jueves 13 de Octubre de 2005, pero lamentablemente no recuerdo la fecha del
último. En Octubre de 2006 entré a un trabajo de tiempo completo y no pude
continuar. Pero seguí en contacto con el gran Deqo, encontrándonos varias veces en
años posteriores. En el 2014 volví a tener tiempo libre en mis manos y hablamos
de volver al ciclo, o crear otro, pero lamentablemente nunca se dio. Ese mismo
año empecé a escribir un libro sobre Tango y, sabiendo que Deqo conocía mucha
gente relacionada también con ese género, lo llamé y charlamos al respecto.
Esa fue la última vez que hablé con él. El 19
de Enero de 2015, José Luis Núñez Latorre, el querido Deqo, se fue y nos dejó,
además de mucha tristeza, la alegría de haberlo conocido y compartido
experiencias con él.
Guardo la grabación de algunos de los programas
del ciclo, una forma de volver a esos lindos momentos compartidos con el gran
Deqo Núñez.
Por tratarse de programas de radio les dejo dos
audios, uno de la presentación, muy ingeniosa, que Deqo preparó para nuestro ciclo, y
otra de un homenaje a Deqo presentado por Luis Fernando Iglesias en su programa
de la radio DelSur.
